TU BASURA EN EL MAR

Un miembro de la iniciativa Ocean Sole utiliza chanclas para crear una jirafa, ayer en el Drap-Art.

A Angela Anderson le bastaron unos pocos paseos matutinos por la playa de la Barceloneta para descubrir que vivía a las orillas de un mar de suciedad y plástico. Las colillas, las toallitas higiénicas, las latas de cerveza o los tapones de botellas escondidos entre la arena le causaron un gran impacto, explica esta joven británica de 14 años afincada en Barcelona. Pero la basura que lanzaban unos se acabó por convertir en un fantástico material artístico para ella y sus compañeros del proyecto escolar Our Dream School. Ayer, su obra La Mujer, en el que se observa a una forma femenina hecha con papel maché sumergida entre la basura que ella y sus compañeros recogieron en la arena, fue una de las 60 piezas expuestas en la 22ª edición del Festival Internacional de Arte Sostenible Drap-Art.

Porque concienciar es también crear, el festival convirtió ayer el Museo Marítimo de Barcelona en un centro reivindicativo de la cultura sostenible con un claro mensaje: no hay mejor forma para reclamar unos mares y océanos más sostenibles que hacer de la basura, arte.

“Siempre pensé como se sentiría un humano si fuese el mar. El resultado es este”, explicaba ayer Anderson mientras anima a los visitantes a que aportaran su particular “granito de basura” en torno a su obra. A escasos metros de su humilde exposición, otros 50 artistas, algunos internacionales, expusieron otras obras de arte sostenible. Como Paola Idrontino, que convierte plásticos y basura del mar en pinturas románticas de gran calidad; o Jana Álvarez, que crea grandes criaturas ficticias con huesos de animales, alambres y residuos; o el proyecto Ocean Sole, una iniciativa africana que reutiliza las chanclas que quedan en el mar de Kenia para convertirlas en elefantes, leones o jirafas, algunos de grandes dimensiones, y que ayer triunfaron especialmente entre el público infantil.

Precisamente familias con niñas coparon muchas de las visitas de la primera jornada de ayer. La música en vivo y talleres sobre concienciación medioambiental para todos los públicos ayudaron. El festival solo expone durante este fin de semana y hoy domingo es el último día para visitarlo.

25 AÑOS DE AMOR Y FUSIÓN

                     

              

Viktor y Rolf se conocieron en la Escuela de Diseño de Amberes. Allí forjaron una unión que iría más allá de lo personal y que daría lugar al nacimiento de la marca, Viktor & Rolf, a comienzos de los años noventa, en París.

Cuando terminaron de estudiar, en 1992, decidieron unir sus caminos e inquietudes y en 1993 lograron que su primera colección se hiciera con tres premios en el prestigioso Festival de Hyères ( el de la prensa, el del jurado y el Gran Premio especial de la villa de Hyères). Aquel trabajo ya estaba marcado por la experimentación, con patrones que bailaban entre lo escultural y lo arquitectónico.

                  

Formaron parte del colectivo Le Cri Néerlandais hasta su disolución y tras una etapa trabajando como dos rara avis de la moda, mostrando su obra en galerías de arte y museos, llegaron a alta costura. En  1998 y durante dos años llamaron poderosamente la atención con sus desfiles, tanto por sus colecciones a veces extremas, pero siempre poéticas, como por sus puestas en escena, siempre teatrales y fascinantes. 

A medida que la industria del lujo se consolidó a finales de los años noventa, la alta costura se estaba convirtiendo no sólo en un laboratorio creativo, sino también en una brillante herramienta de marketing. Con sólo 5 años de carrera, cautivaron con su colecciónRussian Doll para la temporada Otoño/Invierno 1999. En lugar de un desfile tradicional, vistieron a la modelo Maggie Rizer, que estaba parada en una plataforma giratoria, con una suma de prendas. La primera fue un minivestido humilde y deshilachado de arpillera, y el último, un abrigo de pelo, lleno de flores. Mostró literalmente las manos del diseñador en la proceso de fabricación. También fue una audaz crítica sobre el ritmo de la moda y el consumo. Un desfile inusual que ya ha pasado a ser parte de la historia de la moda. 

Su 'locura' tuvo también una parte práctica y en el 2000 produjeron una línea de prêt-à-porter. En 2003 lanzan una propuesta para hombre y una línea de gafas.

Es en  2008 pegan un enorme salto empresarial tras ser fichados por el grupo OTB que lleva cuentas como Maison Margiela, Marni o Diesel y para celebrar su 10º aniversario organizaron una exposición en el Museo de la Moda y el tejido de París. na colección que cortaron los vestidos con motosierra, literalmente. “Con la crisis crediticia y todo el mundo reduciendo, decidimos cortar vestidos de tul”,

Este cambio propicia que en 2013 regresen por todo lo alto a la alta costura y dos años después abran su primera tienda en París. 

Desde entonces, el dúo holandés ha sabido sacudir como pocos los cimientos del mundo de la moda, ha desdibujado la frontera que separa lo fashion de lo arty y ha perpetrado varias colecciones y desfiles, performances realmente inolvidables

Su capacidad de innovación, su frescura a la hora de transgredir los códigos de la industria y su trabajo, entre la moda y la filosofía, le han convertido en una referencia indiscutible para entender la estética de comienzos del siglo XXI.

Llevan 25 años en el mundo de la moda, son unos artistas en mayúsculas  y ya forman parte de la historia de la alta costura por su enfoque experimental e ingenioso de cada uno de sus diseños. Viktor & Rolf se han ganado el reconocimiento internacional por su obra, a medio camino entre el arte y la moda. Sus llamativos desfiles, exuberantes, impactantes y a veces conceptualmente alejados de los cánones establecidos en el mundo de la moda, les ha llevado a tener un lugar de honor en la Alta Costura.

        

Para celebrar su 25 aniversario, el Museo Kunsthal de Rotterdam ha organizado una extensa retrospectiva que recorre la carrera de estos dos holandeses, Viktor Horsting y Rolf Snoeren, que un buen día se unieron para crear auténticas obras de arte sobre la pasarela. La muestra pretende mostrar al mundo, y en particular a los amantes de la moda y el arte, su concepción “wearable art”, su identidad contradictoria, su visión poco convencional de la moda.
La exposición, abierta desde el pasado 27 de mayo, ha estado en la ciudad holandesa hasta el 30 de setiembre. Una oportunidad única de descubrir el arte de Viktor & Rolf a través de 45 piezas de alta costura.Muchas de las piezas que se exhiben cuentan esta historia porque en la exposición se conviven ahora prendas de sus primeras colecciones, préstamos de museos de distintas ciudades, los vestidos que hicieron para Madonna para el concierto benéfico Art Basel y vestuarios que han hecho para óperas y ballets. El apabullante éxito que ha obtenido la exposición de Viktor & Rolf en el Kunsthal de Róterdam demuestra el apetito que sigue despertando la moda. Especialmente si tras la muestra hay un comisario potente, como es el caso deThierry-Maxime Loriot

    

Además, se podrá contemplar uno de sus últimos proyectos, “Dolls”. Se trata de réplicas de muñecas antiguas vestidas con algunos de los diseños más emblemáticos de los artistas. 25 ejemplares hechos a mano que han seguido los mismos `patrones que su original, pero a escala de las muñecas.  Fue en 1999 cuando les llegó el  gran éxito internacional con la colección ‘Russian Doll’ Sobre la pasarela los dos diseñadores iban poniendo una tras otra hasta nueve capas de ropa sobre la “muñeca viva” encarnada por la modelo Maggie Rizer. De hecho, unas de las piezas mas espectaculares de la exposición en Rotterdam son las 25 muñecas de porcelana hechas a mano. Sobre ellas se pueden ver algunos de los modelos más icónicos de los diseñadores, todo en perfecta escala, desde los materiales y los cortes hasta los peinados y el maquillaje.


Con esta colección, el dúo holandés apoya de un modo creativo y distinto al medio ambiente. Crean un equipo de muñecas gigantes con aires surrealistas. “Pensamos que la realidad es tan extraña en este momento, que por qué no mostrar el lado surreal de la realidad”, añadiendo que “las muñecas luchan por un mundo mejor”, comentaron los diseñadores.
 https://youtu.be/g5tmJoCowwE


                   

Así mismo, se ha editado el libro ”Viktor & Rolf: Fashion Artist 25 years”, conmemorativo de sus 25 años, que incluye una entrevista exclusiva con los diseñadores, un fascinante glosario de Viktor & Rolf y una rica iconografía con imágenes destacadas de artistas y fotógrafos de renombre.
Esta exposición ya se ha mostrado en Melburne pero ahora puede verse con otra mirada ya que el Kunsthal de Rotterdam cumple también 25 años.Ambos diseñadores se sienten orgullosos de que la exposición haya llegado a su país natal después de pasearse por Melbourne. “Además de ver nuestro trabajo en la pasarela, disfrutamos también al poder verlo en los museos, de manera que todo el mundo pueda tener acceso y no solo el puñado de gente presente en París” aseguran los diseñadores.

Sus presentaciones nos han traído de todo, desde cencerros tintineando en la oscuridad hasta ropa que se pliega a modo de marco pictórico. 
Sin embargo, todo el mundo esperaba que en su desfile de alta costura en París celebrara sus 25 años con un gran espectáculo, el resultado fue sorprendentemente discreto.No había muñecas sobredimensionadas sobre el escenario, ni nada como aquella “gran peladura” en la que la modelo se iba quitando capas de tejido como si fueran las capas de una cebolla. En su lugar, cada conjunto se declinaba en blanco, sin nostalgia evidente por el pasado y sí mucha innovación en la ropa.
 

Por ello, Viktor argumenta “De algún modo las cosas han coincidido por casualidad, la exposición, el libro (Viktor & Rolf de Irma Boom)… Así que decidimos rehacerlo todo en blanco y cristales. El blanco representa un poco mirar hacia el futuro, como una pizarra limpia”.
Seguramente la idea no era solo mostrarpiezas impactantes, sino en demostrar además que lo que hacen Viktor & Rolf no tiene por qué ser siempre raro.

¿COMO INFLUYE LA MODA AL ARTE?

                

                   

                                                       La exposición Azzedine Alaïa

Pamela Golbin, curadora jefe del Musée de la Mode et du Textile del Palais du Louvre, en París, afirmó en el libro  Art/Fashion in the 21 st Century que “comúnmente se habla de lo que la moda ve en el arte, pero lo que es realmente interesante es lo que el arte ve en la moda.

El arte busca un margen y la moda se lo proporciona, ya que es muy transitorio y basado en mucho dinero. Tal vez la moda no necesita el arte porque está en constante movimiento, pero tal vez el arte no está preparado para abandonar la moda tan fácilmente.” Y es que sabemos que el arte ha tenido una gran influencia en la moda a lo largo de los años. Yves Saint Laurent es el claro ejemplo de ello. Su colección Mondrian no fue tan sólo una oda al artista, sino una muestra viva del diálogo existente desde tiempos inmemoriales entre la moda y el arte. Además, son muchos los diseñadores que se refugian en el arte como un medio de inspiración e influencia.

Pamela Golbin: Tal vez la moda no necesita el arte porque está en constante movimiento, pero tal vez el arte no está preparado para abandonar la moda tan fácilmente.

Sin embargo, la gran pregunta es: ¿qué le aporta la moda al arte? La moda tiene una capacidad inigualable de atraer y conectar a millones de personas. La moda funcional le habla a un lenguaje universal del cuerpo mientras que en la moda conceptual encontramos diseñadores como Rei Kawakubo, Viktor and Rolf, Martin Margiela y Alexander McQueen, y resulta estéticamente llamativa. 

Es así como las exposiciones de moda alrededor del mundo se han convertido en record-breaking, y la manera en la que el arte ha conseguido conectar con las nuevas generaciones.

                                                 Parte de la exposición Savage Beauty

En 2011,la exposición Savage Beauty, una retrospectiva del trabajo de Alexander McQueen presentada en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (MET) .

Según Vogue, Savage Beauty rompió todos los récords, llegando así a ser la muestra más visitada del MET y al Victoria & Albert Museum de Londres.

A a finales del pasado mes de noviembre,el Museo Nacional de Artes Decorativas de Madrid  organizada por Vogue en homenaje al que ya es uno de los zapateros más reputados de todos los tiempos:  Manolo Blahnik. El arte del Zapato.

La exposición  es una impresionante retrospectiva que contó con una selección de más de 200 zapatos y 80 de los dibujos del célebre creador y perseguía el objetivo de mostrar al público que el cosmos del zapato va mucho más allá de la moda y su función, explorando grandes temas como el arte, el cine o la arquitectura.

Se cerraba así, en palabras de la fundadora y directora Estel Vilaseca, “un año muy fructífero para la moda en los museos, tanto a nivel nacional como a nivel internacional”. Y es que la moda pudo palparse también bajo la superficie de las exposiciones que se oficiaron en Barcelona sobre Björk y David Bowie, ambos músicos con un gran bagaje de colaboraciones con la moda a lo largo de su historia. O en Madrid, en una exposición dedicada al maestro Manuel Pertegaz que daba el pistoletazo de salida al otoño en la Sala Canal Isabel II mientras que, en Barcelona, se programaba otra exposición en honor al mismo diseñador en la Fundación Rocamora. A su tiempo, el IAACC Pablo Serrano de Zaragoza abría las puertas a la muestra organizada junto al Museo Balenciaga de Guetaria Un sueño de Balenciaga, el cine; descubriendo así una de las facetas más desconocidas del gran couturier, que colaboró con directores de cine del calibre de Hitchcock o Cocteau y participó hasta en treinta películas.

Andrew Bolton: A veces hay una especie de celos alrededor de la moda, que tiene el poder de comunicarse con la gente de una manera que la pintura y la escultura no pueden.

Por otro lado, la Met Gala,evento benéfico y de apertura de la exhibición anual del Costume Institute del MET se ha convertido en uno de los eventos más esperados del año, acercando de nuevo así a las sociedades con el arte. Entre sus muchos logros destacan su más reciente exposición, Heavenly Bodies: Fashion and The Catholic Imagination (2018), Rei Kawakubo/Commes Des Garçons: Art of the In-Between(2017) o China: Through the Looking Glass (2015), sobre la que se acabaría realizando el documental First Monday in May. 

En éste, el responsable del Costume Institute del MET Andrew Bolton reflexionaría sobre el recelo del mundo del arte hacia la moda: “A veces hay una especie de celos alrededor de la moda, que tiene el poder de comunicarse con la gente de una manera que la pintura y la escultura no pueden”. Pero resulta especialmente relevante el hecho de que, gran parte de las exposiciones, están siendo impulsadas desde las propias marcas. Y como muestra, un botón: la retrospectiva de Dior alojada en el Museo de las Artes Decorativas de París. O Items: Is Fashion Modern?, que constituye la que es ya la segunda exposición dedicada a la moda del célebre MOMA y aborda la influencia de la moda en ámbitos tan diversos como la cultura, el arte, la estética, la política o la tecnología.

La influencia de la moda en el arte también se refleja en la manera en la que las marcas están impulsando un diálogo entre estas dos prácticas. Cada vez son más las casas de moda que crean museos para presentar al mundo sus delicados y prestigiosos archivos.

La firma parisina Chloé inauguró un espacio con el ambicioso objetivo de perpetuar su legado que se inauguró con una exposición del extraordinario fotógrafo de moda Guy Bourdin. Pero no se trata de ningún hecho aislado, ya que en palabras de Vilaseca “las grandes casas están reforzando su vinculación con el arte y la cultura”.

Por otro lado, los casos de Ferragamo, Trussardi y Loewe han optado por crear fundaciones sin ánimo de lucro para impulsar el arte contemporáneo y la cultura, otras como Louis Vuitton cuyo grupo, LVMH, anunció la creación de la Maison LVMH – Arts, Talents, Patrimoine en un museo abandonado propiedad de la ciudad de París o Prada, que reafirman constantemente con sus museos su compromiso con la cultura.

La influencia de la moda en el arte, en definitiva, abre un diálogo acerca del rol de la moda en un contexto artístico, conectando así ambas culturas. Por lo tanto, ¿necesita el arte a la moda al igual que la moda necesita el arte? Nos atrevemos a afirmar que sí.

                                                                            Parte de la exposición China

                          

AL ESTILO ESPAÑOL

Madrid- La Comunidad de Madrid organiza la exposición “Modus. A la manera de España” para explorar los códigos estéticos de los modistos españolas a lo largo de la historia de la moda.

Comisariada por Raúl Marina y Wanda Morales, esta muestra realizará un recorrido por la historia de la moda española a través de las piezas más representativas de los creadores más relevantes y significativos de todos los tiempos. Gracias a la amplia selección de piezas, la muestra expresa el concepto de “lo español” en la moda, a través de grandes ejes temáticos que articulan el discurso expositivo.

El traje de corte y de manera muy especial el negro, protagonizan una de estas áreas temáticas. El negro, color asociado a la monarquía hispana (especialmente durante el siglo XVI) se impuso en todas las cortes europeas, y ha sido retomado en sus piezas diseñadores clásicos como Balenciaga o Fortuny y otros contemporáneos como Davidelfín, Ana Locking o Amaya Arzuaga.

           

Un color relacionado con la austeridad española que, sin embargo, se vio aliviado por la gola blanca y, en el caso de las mujeres, por el uso de la volumetría en los vestidos, especialmente a través del guardainfantes, que diseñadores actuales como Agatha Ruiz de la Prada o Juanjo Oliva han reinterpretado.

La influencia de la estética religiosa también está presente en la exposición a través de la sobriedad y rectitud de las líneas y volúmenes, como se observa en las creaciones de Pertegaz o Lemoniez, pero también a partir de la utilización del bordado y los adornos de encaje. Unos bordados que aparecen, igualmente, en los detalles típicamente españoles de la indumentaria: las mantillas, la decoración floral y los volantes. En este sentido, destacan piezas de Juan Vidal, Pedro Rovira o Victorio y Lucchino.

      

Los regionalismos constituyen una parte importante de la muestra, no solo a través de piezas tradicionales como el traje de vistas de La Alberca (Salamanca) o el de viuda rica de Toro (Zamora), sino también en creaciones contemporáneas de Miguel Adrover, Mané Mané o Delpozo.

El florcore andaluz también esta presente en la exposición ya que resulta imprescindible destacar el mundo andaluz, estereotipado a través del uso de los colores vivos o las faralaes, como apuntan los diseños de Paco Rabanne o Juan Duyos, o de la estética de la tauromaquia, apreciable en las creaciones de Lorenzo Caprile o Sybilla.

                          

Además, la muestra incluye una pequeña pincelada de la influencia de “lo español” a nivel internacional, a través de piezas de Givenchy, Dries Van Noten o John Galliano o Lanvin, que se han visto seducidos por nuestra cultura y particular estética para plasmarla en sus creaciones.

     

Esta exposición forma parte de una línea de trabajo que la Comunidad de Madrid ha puesto en marcha con el objetivo de divulgar la moda española como expresión artística y activo cultural. La muestra podrá visitarse en la Sala Canal de Isabel II, del 4 de diciembre de 2018 al 3 de marzo de 2019, con entrada gratuita.

OBRAS EN QATAR.

Estas obras estuvieron tapadas durante un tiempo en la entrada al hospital de Sidra.

Esculturas de la instalación 'El viaje maravilloso' en el exterior del hospital de Sidra, en Qatar.

Catorce esculturas gigantes en bronce del artista británico Damien Hirst, que recorren el desarrollo de un feto desde la fecundación al nacimiento, dan la bienvenida a los pacientes del hospital de Sidra, en Qatar. El viaje milagroso, un conjunto instalado en el exterior del centro, culmina con un bebé recién nacido de 14 metros de altura. Las piezas han vuelto a ver la luz después de cinco años ocultas, supuestamente, por las críticas que generaron, según informa la agencia AFP.

Hirst intuyó la polémica que generaría la exposición de figuras humanas en un país islámico. "Es la primera escultura desnuda en el Medio Oriente", dijo entonces el artista a Doha News. "Es muy valiente". El británico calentaba la escena con sus declaraciones, y las figuras pasaron a colocarse en el punto de mira de los más susceptibles.

La instalación es parte de la impresionante colección de arte contemporáneo del hospital de Sidra, donde la hermana del emir, Sheikha Al-Mayassa bint Hamad bin Khalifa Al-Than, ha invertido en lo más granado del mercado internacional, con la intención de crear y transmitir una imagen de modernidad y aperturismo del país árabe, de 2,6 millones de habitantes. En total, 65 obras de arte, entre las que figura una instalación de neón de la provocadora artista británica Tracey Emin.

                    

El coste de las 14 esculturas de Hirst una composición bautizada como El viaje milagroso se estima en 17,5 millones de euros, a lo que habría que sumar los honorarios del artista. La polémica generada por la monumental instalación está dando a conocer en todo el mundo al hospital para niños y mujeres, con 400 camas, inaugurado el pasado enero con una inversión superior a los 7.000 millones de euros.

El genio del 'marketing'

Por algo la galería White Cube considera a Hirst el artista más experto en mercadotecnia del mundo. Estas 14 esculturas lo demuestran una vez más. Para el artista Dinos Chapman, también habitual en la cima de la polémica, la calavera de platino cubierta con 8.601 diamantes incrustados y con un peso total de 1.100 quilates fue el trabajo de un genio, pero no del arte, sino del marketing.

No hay nadie como él para hacer de una imagen una marca capaz de dar la vuelta al mundo. De hecho, él mismo reconoce que “convertirse en un nombre de marca es una parte importante de la vida”. Porque para Hirst, ese “es el mundo en el que vivimos”. “El éxito de Damien Hirst reside en una sólida marca y un proceso de manufactura con un control de la calidad”, ha escrito el experto en arte Don Thompson, en su famoso libelo El tiburón de 12 millones de dólares (Ariel).

                      

Veinticinco años después de su tiburón disecado, lo que más reconoce y valora el mercado del arte de Damien Hirst es su olfato para llamar la atención. “Su marca crea publicidad y sus obras atraen a gente que de otro modo nunca habría contemplado arte contemporáneo”, cuenta Thompson para elogiar irónicamente la astucia del artista.

El arte es lo de menos, parece abanderar Hirst, lo único que importa es colocar una nueva imagen impactante (y kitsch), en el flujo de imágenes. Incluso si, como es el caso, se hace invisible a la mujer y se la resume en mera portadora de embriones, que crecen y nacen… tras un “viaje milagroso”. 

ARTE Y MODA SE CRUZAN

Entre sus previsiones para este 2017, el Museo Thyssen de Madrid inaugurará en julio una monográfica sobre la artista de vanguardia Sonia Delaunay-Terk titulada Arte, diseño y moda. Junto a sus pinturas o diseños de escenografía se mostrarán algunas de las coloridas y futuristas prendas que creó a lo largo de su vida, especialmente las concebidas en el periodo que pasó en la capital española, donde en 1918 abrió la boutique Casa Sonia. El caso de la francesa de origen ucranio perfila uno de los ejemplos paradigmáticos de la simbiosis entre arte y moda, dos ámbitos de la cultura cuya relación, a veces incierta, ha ido estrechándose con el paso del tiempo. “En este siglo XXI asistimos a la confirmación de la mistura entre disciplinas”, señala Tania Pardo, responsable del departamento de exposiciones de La Casa Encendida, a quien la artista Yolanda Domínguez reafirma en sus palabras: “Es el símbolo de nuestra época”.

“Toda creación que posea calidad intelectual, que transgreda… tiene su lugar en el mundo del arte contemporáneo”.

Ese intercambio de técnicas formales y aspiraciones estéticas que Delaunay llevó a cabo consigo misma también se ha dado a lo largo de la historia entre varios creadores, bien a modo de colaboración directa o como homenaje. De los años treinta queda el inolvidable tándem de Salvador Dalí y Elsa Schiaparelli; de los sesenta, aquel icónico vestido Mondrian que Yves Saint Laurent cosió basándose en las líneas y colores del místico holandés, y, ya entrados los dos mil, aún pervive el recuerdo de la rompedora muestra que Soledad Lorenzo dedicó a David Delfín (quien años después montaría un desfile en el ­Guggenheim de Bilbao). Siguiendo la flecha del tiempo, los ejemplos se multiplican: solo hace falta fijarse en la larga y fructífera vinculación que el inventor del estilo superflat, Takashi Murakami, mantuvo hasta hace un par de años con Louis Vuitton, en la colección con la que John Galliano revisó la obra de Gustav Klimt para Dior o en los manolos inspirados en la obra surrealista de René Magritte. “El arte tiene mucho que ver con la moda y viceversa. Pero además la moda es parte del arte en un sentido más amplio, junto a la literatura, la música…”, agrega Pardo. Ahí están para demostrarlo las colaboraciones del bailarín Merce Cunningham con diseñadores como Rei Kawakubo (en 1997) o la del cineasta Darren Aronofsky con el dúo californiano Rodarte (en 2010, para el vestuario de la película Cisne negro). Eso sin mencionar las cada vez más habituales asociaciones de estrellas del pop con marcas deportivas (Rihanna fue nombrada en 2014 directora creativa de Puma; Pharrell Williams y Kanye West diseñan para Adidas junto a Raf Simons y Alexander Wang…). O la irrupción –“si es que algún día estuvieron fuera”, matiza Pardo– de los diseñadores de moda en los museos.

pulsa en la fotoSUSY GÓMEZ. Un valor siempre al alza Los trabajos de Gómez (Pollensa, 1964) abundan en cuestiones de la contemporaneidad a través de objetos cotidianos –como la ropa– y de la naturaleza. La creadora viste sus propias prendas.FOTOGRAFÍA DE PAPO WAISMAN ESTILISMO DE NIRAVE SÁNCHEZLa galerista Belén Valbuena.ARRAY

Reunidas en la Casa do Brasil, un colegio mayor de los años sesenta cuya limpieza de líneas y elegancia formal transporta a la Brasilia de Niemeyer, varias profesionales del arte en sus diferentes vertientes se reúnen para debatir sobre las incursiones de los pobladores de su territorio en la moda. También de todo lo contrario. Se trata de Belén Valbuena, codirectora de MaisterraValbuena; las cuatro directoras de Twin Gallery –las hermanas Beatriz, Blanca y Cristina Fernández, y Rocío de la Serna–; la comisaria Tania Pardo, y las artistas Susy Gómez, Alicia Framis, Sabine Finkenauer y Yolanda Domínguez. A modo de experiencia inmersiva, posan también con estilismos, haciendo aún más cierta la afirmación de que han caído las barreras y nos encontramos ante el final de las disciplinas artísticas como compartimentos estancos. “Es algo que se ha notado mucho en los concursos”, ilustra Pardo. “Antes se convocaban certámenes de pintura, escultura, videoarte…, y ahora eso ya no existe. De hecho, suena antiguo categorizar así, aunque es cierto que eso ha hecho que convertirse en un sismógrafo del presente sea un auténtico reto”.

Como suele ocurrir en estas sesiones fotográficas, los tiempos se alargan. Entre el paso por maquillaje y peluquería, la selección de la ropa y el posado, las protagonistas aprovechan para debatir opiniones. Algunas ya se conocían, incluso del colegio (como las hermanas Fernández y Domínguez). Otras se ven por primera vez e intercambian teléfonos. Admiten que su punto de vista procede de su percepción como expertas en arte, y que se posa sobre un tema que a muchas les pilla más o menos de refilón. “Pero toda la creación que posea calidad intelectual, que diga algo, que transgreda…, tiene su lugar en el mundo del arte contemporáneo, y en ese sentido la moda tiene cabida en el arte”, subrayan las directoras de Twin Gallery. Sus propias elecciones a la hora de elegir el vestuario para la foto hablan, y alto, de sus opiniones: Susy Gómez, que trabaja en torno a la idea del cuerpo femenino, se decanta por quedarse con lo que trae puesto. Yolanda Domínguez, que ha abordado la moda a través de incisivas performances y acciones que disputan las preconcepciones sobre el género y el consumo, pide no llevar fast fashion. Ambas, como Alicia Framis, que responde al teléfono desde Ámsterdam, coinciden en haber integrado la moda en su imaginario.

Con su serie de 2002 Anti_Dog, Framis –que a través de la arquitectura, el diseño, la performance y la moda se aproxima a los dilemas de la sociedad contemporánea– dio un paso más allá para introducirse en el ámbito del activismo. Sus trajes antibala, antimordida e ignífugos fueron concebidos como instrumento para proteger a las mujeres y denunciar la violencia sexista. Ese acto, el de vestir a la sociedad, permitió a la artista “desnudarla”. Ponerla en cuestión. Un destino que también persigue Yolanda Domínguez, cuyas obras plantean una mordaz crítica a la representación de la mujer en los medios, así como el papel estereotipador de la publicidad. “La moda no se reduce solo a los diseños, sino que es importante tener en cuenta las condiciones en las que se fabrica”, señala la madrileña, que en enero recibió –sin ser modista– el premio al diseño del año del Museo del Diseño de Londres por su trabajo Niños vs moda, un vídeo en el que grabó las reacciones de varios críos ante anuncios de marcas de alta costura. En el caso de Susy Gómez, que en paralelo a la carrera de Bellas Artes cursó estudios de diseño de moda, su producción busca acotar los espacios de coexistencia entre las tendencias a la hora de vestir y los movimientos sociales. “Cuando hablamos de moda o arte no nos referimos solo a los objetos, sino a los espacios de discusión, las instituciones y el aparato crítico que los rodean”, señala la mallorquina. Una visión desde lo general –el contexto– que difiere del enfoque hacia lo particular de Framis. “A mí me interesa mucho el papel de la tecnología”, concreta. “Investigo cómo esta podría ayudar a la mujer, ya que a través del tejido se podrían abordar algunas de sus necesidades, como con Anti_Dog”.

En febrero del año pasado, la pintora y escultora Sabine Finkenauer recibió una llamada de la galerista Aina Nowack. Tenía una oferta para ella: exhibir algunas de sus piezas junto a diseños de Sybilla. “Ella conocía el trabajo de ambas y nos lo propuso porque realmente tenemos una serie de coincidencias formales, como el uso de la geometría”, detalla la alemana, con residencia habitual en Barcelona, cuyas obras recrean un universo naíf a caballo entre el expresionismo y la abstracción. A pesar de las “sorprendentes” similitudes, y de la admiración que asegura profesar por los diseños de la modista, Finkenauer no cree que “la moda encaje en todos los aspectos del arte, aunque sí que hay vasos comunicantes”. Estas conexiones se asientan, como subraya Valbuena, en “las líneas de trabajo o las maneras de trabajar”. “Por eso puede considerarse que los modistas que tienen un verdadero proyecto detrás y lo desarrollan durante toda una carrera hacen un arte tan personal como el de un artista: un trabajo que te impacta, que te hace pensar. Que te sobrecoge”.