EL COLLAGE

Rostros, brazos, torsos, pieles se unen y se funden de forma armoniosa formando hermosos collages. Son creaciones del fotógrafo francés Damien Blottière, ex alumno de la escuela de arte parisina Dupperé y apasionado por el fotomontaje,cuyo objetivo es consagrar el arte y la moda en una sola forma de expresión.

Damien comenzó dibujando, hasta que se dio cuenta de que ese medio no le permitía expresarse como a él le gustaría, es entonces cuando empezó a interesarse por la fotografía y el collage. Cada uno de los cortes que realiza sobre sus fotografías engrandecen la figura humana, la tensión del cuerpo, los músculos, como si se tratase de esculpir una estatua Griega, buscando la proporción y a la vez el exceso.

En un primer momento su trabajo se veía inspirado por sus propios pensamientos y fantasías, pero hoy en día en una entravista que el artista ha concedido a la revista Exclama, comenta estar más interesado en el sujeto. “Siempre estuve fascinado por el cuerpo humano tratando de ir alrededor de él, de entenderlo. Considera que el cuerpo  es una fuente de inspiración ilimitada y por tanto, la más sencilla de utilizar ya que es un lenguaje universal

Para ello, basa su estilo personal en hermosos collages que reflejan las formas y líneas del cuerpo humano. Además incluye efectos òpticos 3D que en combinación con el uso de cuerpos desnudos en posiciones fijas, trasforma la imagen en una obra que no deja indiferente a nadie,creando piezas visuales fluidas, orgánicas y a veces eróticas, permitiendo elegir a cada persona su punto de vista subjetivo.

       

La mezcla de géneros y las máscaras son un motivo recurrente en su trabajo, las caras se multiplican, reconfiguran y presentan en diferentes ángulos al mismo tiempo. De este modo Blottiére interpreta cada vez un personaje diferente a partir de un sólo cuerpo, el suyo. Así, los sujetos pueden ser varios personajes al mismo tiempo; hombres de diferentes etnias, una mujer e incluso un perro.

Sin embargo, este resultado espectacular de sus obras se debe al laborioso trabajo de post-producción que el fotógrafo lleva a cabo sin ningun tipo de asistencia digital. Blottière fotografía a los modelos, y posteriormente, en solitario, recorta y reorganiza todo el material fotografiado para poder mostrar lo que el sujeto quiere decir y alcanzar la imagen que busca, dando como resultado obras visuales cargadas de surrealismo y arte. Tal y como afirma un varias entrevistas, su secreto es estar solo la mayor parte del tiempo.

                  

Este estilo único en fotografías, collage hecho a mano y composiciones interesantes lo ha llevado a ser parte de los fotógrafos y artistas más codiciados de la industria de la moda, teniendo portadas para revistas como VMan, GQ y Vogue. Además a trabajado con prestigiosas marcas y diseñadores como Stella McCartney, LouisVuitton, Hermès y Carven, entre otras.

Sin embargo, Blottiere no se considera así mismo como un fotógrafo, sino como un imaginativo que crea imágenes. `` Siempre me han interesado las imágenes. Empecé a jugar con una cámara cuando era muy joven. Me fascinaba la pequeña cámara analógica de mi padre, que me parecía tan complicada de usar en ese momento. Más tarde, comencé a comprar revistas de moda y, en secreto, publicaciones pornográficas antiguas (la mejor manera que encontré para mirar cuerpos). Los estaba mirando por horas. Años después, tuve la oportunidad de conocer a fotógrafos talentosos. Mirándolos a trabajar, comencé a pensar: “¡esto es lo que realmente quiero hacer!” Pero no me considero realmente un fotógrafo. Siento que hago imágenes con las manos más que tomando fotos´´

                 

Una de sus obras más llamativas en formato fashion film es “A short film with Raf Simons”, dedicado a la colección masculina primavera-verano 2012 del diseñador de modas que meses después asumiría como nuevo director creativo de Dior. El trabajo fue un encargo de la revista Vogue Italia, y en poco más de 2 minutos muestra el maquillaje, fitting y backstage completo previo al desfile de Simons. Las imágenes incluyen la intromisión de figuras blancas y música estridente, creando una nueva forma de ver lo que sucede en la previa a un desfile de alta moda como ese 

 https://youtu.be/BZzVg2UPRjQ

Finalmente, uno de sus últimos proyectos ha sido la realización del videoclip de AaRON uno de los temas del grupo The Leftlovers https://youtu.be/IYx1PrFAGlU en el que el  bricolaje se encuentra con el arte, reuniendo delicados recortes de papel e imágenes de los músicos, a partir de entonces animados en stop-motion. El resultado es un conjunto de ajustes gráficos y poéticos que se unen en una canción pop.

LA MODA EN MUSEOS

Que la moda es cultura parece fuera de toda duda, que los diseñadores son, muchas veces, auténticos artistas, también. La discusión, en todo caso, está en si los objetos de este arte deben o no permanecer en los museos. Proponemos aquí diferentes opiniones.

Ahora, a nadie sorprende que se expongan las obras de Armani en un museo. Cosas menos refinadas como excrementos de elefantes, basuras y animales en descomposición han provocado largas colas de espectadores y gran éxito de recaudación. Pero, además, colecciones más estruendosas y populares como las motocicletas han ocupado hace pocos meses los mismos espacios del Guggenheim. Armani es hoy, en la moda, un arquetipo sin contestación. No soporta el malditismo de un Jean Paul Gaultier ni la aparatosa obscenidad de un Versace. Se encuentra en la línea medular de la plomada, en el centro plateado del color, en el international style del diseño y la arquitectura del siglo. Si hubiera que empezar por una firma en las exhibiciones de costura más contemporánea no hay duda que debería hacerse por ahí y las gentes del Guggenheim poseen, con creces, la medida estética de la oportunidad comercial.

En la actualidad, no hay gran museo sin gran público, no hay supervivencia sin espectáculo, no hay prestigio sin el deseo de las masas. El Guggenheim es vanguardia de esta nueva economía cultural pero ya, desde hace dos décadas, todos los importantes museos de Estados Unidos han elegido a sus directores entre figuras empresariales o han creado una dirección bicéfala, artística y mercantil. De la cabeza mercantil cada vez más predominante, en las editoriales, en las productoras, las emisoras, las iglesias o los museos, surgen ideas como la que sitúa las ropas de Armani entre las salas bilbaínas de Gehry. Para su primera muestra en el Guggenheim de Nueva York la empresa italiana entregó cinco millones de dólares. De esa suma, el museo obtuvo beneficio para su presupuesto anual pero Armani, a su vez, alcanzó la publicidad internacional más exquisita, el máximo grado de la distinción, la etiqueta institucional que le otorga definitivamente, ingresando en un museo, la garantía de no morir jamás.

En primer lugar, el escritor y periodista Vicente Verdú afirma que la moda es también un arte y debe estar en las tiendas, en la calle y, como la vida misma, también en los museos. Todo puede ser exhibido en los museos mientras tenga un criterio museográfico coherente: el museo no muestra nunca inocentemente o, para ser más exactos, no debería nunca mostrarse nada sin un por qué, sin un discurso interpretativo, que puede explicitarse mediante textos o incluso sólo visualmente. 

               
Sin embargo, en un país como España, tan huérfano de grandes exposiciones históricas (por referirnos al siglo XX, nunca se ha visto, por ejemplo, una retrospectiva Pollock) el conceder las alas de un museo tan importante como el Guggeheim a un modisto con una difusión fuera de toda duda se convierte en algo cuestionable. No estoy negando con ello ni la calidad del modisto ni la presencia de la moda en los museo. ¿Por qué no crear algún otro museo especializado en moda -existe uno en Barcelona- en donde exponer a Coco Chanel, Schiaparelli, Balenciaga, Miyake y a los más jóvenes creadores? En realidad, este tema nos recuerda que el Guggenheim de Bilbao es una sucursal del neoyorkino sin apenas capacidad de autonomía de programación, es decir, de originalidad o de adecuación a las necesidades artísticas de cada contexto.

Por otra parte, Victoria Combalia, critica y acesora de arte, cuenta el nuevo plan de La Ministra de Educación, Cultura y Deportes.Se trata de una muy buena iniciativa. Moda y arte, moda y cultura se han dado siempre la mano. Baudelaire dedicó uno de sus mejores ensayos a ese universo. Durante los años de entreguerras, Sonia Delaunay, Coco Chanel, Elsa Schiaparelli y otros grandes nombres consiguieron trabajar en ese quicio.

                            

París, que a trancas y barrancas sigue siendo, si no la capital, sí una de las capitales mundiales de la moda, posee por lo menos dos museos dedicados -bien es verdad que uno de ellos sólo parcialmente- al tema que nos ocupa. Aquí no hay nada equivalente, aunque a la vista está que nuestro Museo de Artes Decorativas, hasta hace poco centrado en la tradición, está dando pasos interesantes de cara a ocuparse también del siglo XX. Me imagino perfectamente ese centro, atendiendo a ese frente. En cuanto al que dirijo, pronto la moda estará presente en él, en el marco de la exposición en torno a los Minimalismos, contemplados desde muy diversos ángulos.

¿Guggenheim-Armani? Soy extremadamente respetuosa respecto de la política de los demás museos, por lo que me reservo la opinión. Lo que sí parece evidente es que los Guggenheim programan de un modo distinto de los demás. En cualquier caso, el debate, en el que repito que por mi parte no quiero entrar, no puede centrarse en esta sola exposición, sino que debería contemplar tanto otras también heterodoxas y discutidas, y ahí entraría la de motos, como aquellas que no ofrecen discusión alguna, dadas su pertinencia y excelencia manifiestas.

Sin embargo, Juan Manuel Bonet opina que el diseño de moda no es propiamente un arte, aunque encontrar la frontera entre diseño y arte puede resultar complicado. El trabajo de los dos diseñadores que, a mi juicio, más se aproximan al arte son Rei Kawakubo y Hussein Chalayan -aunque ellos afirman que lo que hacen no es arte-. La moda está marcada por la estacionalidad. Lo efímero de su naturaleza y su carácter seriado hacen que se aleje del concepto de arte. Pero el arte, especialmente el arte moderno, influye de un modo claro en la moda. 

Contemplar un cuadro o asistir a una exposición puede inspirar y condicionar un diseño, aunque no sea de modo consciente. Para mí las grandes referencias en el mundo del arte son Kandinsky, Mondrian, Pollock, artistas que influyen en el tratamiento del color, en las texturas, en la pureza de las formas. Tàpies, con su concepto matérico de la pintura en el que la tela se vuelve rígida, se pinta, se engoma, alienta al diseñador a investigar con los tejidos, a hacerlos suyos. El blanco y el negro en el trazo gestual de Brice Marden sugiere una segunda piel, una prenda de formas adaptadas al cuerpo. Damien Hirts y sus magníficos lunares son otro punto de referencia en las formas y colores.

          

Finalmente, la diseñadora Amaya Arzuaga, comenta que siendo tan clara la influencia del arte en la moda, no es extraño que en un museo de arte moderno se realicen exposiciones de moda como otra disciplina artística, tratando a un modelo como a una escultura a la que uno puede rodear, acercarse y casi tocar para apreciar los detalles, los tejidos, los cortes, los accesorios, pudiendo casi imaginar que lo lleva puesto. Los museos son un entorno perfecto para una exposición de moda porque ofrecen la posibilidad de dar a cada modelo su propio espacio.

    

LA MODA, EL OCTAVO ARTE

Abrigada con valores culturales y sociales, la moda, con gran capacidad para seducir, tiene alma creativa, por sus venas corren distintas disciplinas artísticas que le dan fuerza y "crédito suficiente" para entrar en el canon de las Bellas Artes, para merecer ser "el octavo arte".

"Un modisto debe ser arquitecto para los planos, escultor para las formas, pintor para el color, músico para la armonía y filósofo en el sentido de la medida", decía Cristóbal Balenciaga, cuya obra se atesora en la Fundación Balenciaga, en Guetaria (Guipúzcoa) "una institución que le mantiene vivo", es lo que explica EFE José María Paz Gago, autor del libro "El octavo arte, la moda".

El escritor José María Paz Gago que recuerda Ourense como un pedacito de paraíso. Ahora, tras numerosas publicaciones presenta "El Octavo Arte. Moda en la sociedad contemporánea", un libro ameno que nos acerca al mundo de la moda menos frívolo y más artístico.

Este autor,nació en Celanova, en el seno de una familia que regentaba la Academia Curros Enríquez, fundada en 1933 por su abuelo, quien fue durante medio siglo corresponsal de La Región en la villa de San Rosendo. Un hecho que marcó su trayectoria. Tras finalizar el bachillerato en Santiago, se doctoró en Filología en Oviedo y viajó durante 6 años por el África Negra en una aventura interminable que, confiesa, contará en una novela. Finalmente recaló en la Universidade da Coruña donde vive y trabajo, alternando la escritura de 25 libros con innumerables viajes a lo largo y ancho del mundo.

                          

"La moda es arte, un poderoso instrumento seductor", asegura este orensano, quien advierte de que este libro "no es una guía de estilo, ni un manual para ser el más elegante, sino un ensayo que reflexiona sobre las múltiples facetas de la moda". 

La moda arrastra un estigma de frivolidad y vacuidad que ha actuado como una cortina de humo, "pero no es así, la industria textil encierra importantes valores históricos, sociales y culturales que han transformado la sociedad", asegura Paz Gago, resaltando la importancia de la minifalda o el biquini en la "revolución femenina".

Este escritor gallego considera que Amancio Ortega, fundador del grupo Inditex, "es un revolucionario social de la moda" porque ha sido "capaz de satisfacer necesidades, es decir, llevar a las capas sociales más desfavorecidas la últimas tendencias a un precio muy económico".

Si antes Zara se inspiraba en los grandes diseñadores, "ahora son los creadores los que miran al detalle las colecciones de Inditex, una empresa que renueva sus perchas cada quince días y que ha modificado el calendario de la moda a un ritmo de vértigo.

"La moda no es un arte, pero se necesita de un artista para crearla", decía Yves Saint Laurent, el primer diseñador que entró por la puerta grande en un museo con una retrospectiva que el Metropolitan Museum de Nueva York (MET) le dedicó en 1983.

Investigadores e historiadores del arte "se rasgaban las vestiduras" frente a quienes celebraban la presencia de este diseñador francés en el MET, "era comparado con los mayores artistas de la modernidad como Goya o Picasso, cuyas pinturas servían de inspiración a diseñadores", explica el escritor.

Hoy en día, a nadie le sorprende que las colecciones de grandes diseñadores pasen de las pasarelas y las alfombras rojas a los museos para ser admirados como si se trataran de "warhols", "picassos", "hoppers" o "barcelós".

Desde hace años, en los museos se han instalado las tendencias y pocos diseñadores se resisten a esta idea. Prueba de ello son las muestras de moda que se han visto en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, como los vestidos de Hubert de Givenchy que dialogaban con telas de Zurbarán, Rothko o Miró

     

Vestidos como el clásico Delfos de Mariano Fortuny, el célebre Chimére de Jeanne Paquin, el vestido negro corto de Coco Chanel o el Mondrian de Yves Saint Laurent, son algunos de los modelos que se conservan en vitrinas de museos de Madrid, Nueva York, París o Londres.

Piezas que, al igual que obras de arte, "han sido reproducidas hasta la saciedad", añade Paz Gago quien asegura que las modas pasan, pero la moda permanece como el vestido que lució Audrey Hepburn en la película "Desayuno con diamantes", firmado por Givenchy, un modelo negro que vive en la retina como si se tratara de una obra de arte.

                

Por este motivo, asegura que la moda perdura como la pintura o la música, aunque los estilos pictóricos y musicales cambien con el tiempo. "Un óleo, una escultura o una sinfonía son obras artísticas que se sitúan en el transcurrir temporal de la historia, al igual que una creación de moda"

Finalmente, Paz Gago concluye para consagrar la moda como un arte sólo falta que los medios de comunicación y sus audiencias estén de acuerdo.

EL ARTE DE LA PINTURA

"La cultura, la pintura, no destruye la barbarie; pero sirve de muro de contención y consuela ese vértigo que existe entre el pensar y el vivir", explicaba este jueves Alfonso Albacete tras un paseo por las salas desiertas del Centro de Arte Contemporáneo de Sevilla (CAAC), horas antes de que se inaugurara su muestra cuyo título, Las razones de la pintura, parece explicar con esa reflexión. La exposición, una retrospectiva que abarca cuatro décadas, permite acercarse a un artista tremendamente versátil y muy centrado en el proceso creativo, convertido en numerosas ocasiones en protagonista de sus obras. 

"La pintura es algo que crea un tiempo diferente del que se está viviendo, es capaz de detener una situación determinada y eso confunde la angustia del paso del tiempo", apunta Alfonso Albacete (Antequera, Málaga, 1950) ante El jardín japonés (2009), un acrílico de gran formato en el que se funden interior y exterior en un juego de volúmenes que permite al artista recrear la luz de distintos momentos del día, desde el alba hasta el anochecer. La naturaleza domesticada de los jardines japoneses, argumenta Albacete, le permite permanecer ajeno a la estacionalidad y, por lo tanto, evitar la sensación de vulnerabilidad inherente al ser humano.

El artista, uno de los creadores que renovaron la pintura figurativa en la España de finales de los setenta y principio de los ochenta, juega con la metapintura en muchas de sus obras que pueden verse, como si de un juego de espejos se tratara, pintadas dentro de algunos de los muchos cuadros en los que Albacete —arquitecto de formación, algo que se percibe en sus obras— ha plasmado su estudio y colgadas también en una sala contigua.

Alfonso Albacete junto a 'Natura uno (Cuadro del huerto)'. P. P.

Aunque Albacete comenzó con las performances y el body art a principios de los setenta, esta retrospectiva, comisariada por Mariano Navarro y que permanecerá abierta hasta el 10 de marzo de 2019, se centra en la pintura y comienza con una serie cronológica que se exhibe en el corredor central del claustrón sur del monasterio de La Cartuja en la que deja ver su predilección por pintores como Piero della Francesca, Caravaggio, Degas, Cézanne, Van Gogh o Jasper Johns. Además de seis salas en las que los trabajos tienen una unidad temática e ilustran, entre otros temas, el interés del artista por el acto de pintar y el estudio como tema recurrente. Desde Lápices, un óleo de 1979, hasta Destiempo 4. Taller escuela (2017), un lienzo en el que se ve "presente, pasado y futuro, porque incluye una obra ya terminada, otra en proceso y un elemento de otra que hice después". Pinturas que el visitante puede contemplar en la misma sala y frente a dos piezas esenciales: Estancia (2008), una anunciación sin personajes en la que los trozos de pintura suspendidos y traspasado por un haz de luz parecen a punto de juntarse para formar la figura del ángel, y Trampa (2008), la misma arquitectura que la anterior, en la que crece ahora un árbol, deja entrever la ciudad y la cruz de una farmacia. "Esa cruz verde la uso siempre como elemento de definición de lo urbano. En lugar de cruz cristiana, que señala el lugar en el que te salvan el alma; aquí es la señal del lugar en el que te salvan el cuerpo", afirma Albacete, quien trabaja con la Marlborough de Madrid, galería con una lista de artistas con proyección internacional.

"Decididamente, el arte de pintar es como un ritual en el que todos los elementos que participan (pinturas, cintas de carrocero, pinceles...) en el momento de la creación siguen después su camino, cada uno por su lado. Pero como a mí me interesa especialmente la acción de pintar incluyo esos elementos en muchas de mis obras", apunta el artista, cuyo trabajo está presente en el Reina Sofía, el Patio Herreriano, el CAAC, el Museo Abstracto de Cuenca o en grandes colecciones como las de Helga de Alvear, Banco de España o The Chase Manhattan Bank.

Tras recorrer Las razones de la pintura, donde el artista no se ata a un estilo sino que adapta su forma de pintar "según el tema", el visitante comprende todo el sentido de sus palabras: "La pintura es solo una, aunque enseñe muchas caras mediatizada por los discursos de cada época".

25 AÑOS DE AMOR Y FUSIÓN

                     

              

Viktor y Rolf se conocieron en la Escuela de Diseño de Amberes. Allí forjaron una unión que iría más allá de lo personal y que daría lugar al nacimiento de la marca, Viktor & Rolf, a comienzos de los años noventa, en París.

Cuando terminaron de estudiar, en 1992, decidieron unir sus caminos e inquietudes y en 1993 lograron que su primera colección se hiciera con tres premios en el prestigioso Festival de Hyères ( el de la prensa, el del jurado y el Gran Premio especial de la villa de Hyères). Aquel trabajo ya estaba marcado por la experimentación, con patrones que bailaban entre lo escultural y lo arquitectónico.

                  

Formaron parte del colectivo Le Cri Néerlandais hasta su disolución y tras una etapa trabajando como dos rara avis de la moda, mostrando su obra en galerías de arte y museos, llegaron a alta costura. En  1998 y durante dos años llamaron poderosamente la atención con sus desfiles, tanto por sus colecciones a veces extremas, pero siempre poéticas, como por sus puestas en escena, siempre teatrales y fascinantes. 

A medida que la industria del lujo se consolidó a finales de los años noventa, la alta costura se estaba convirtiendo no sólo en un laboratorio creativo, sino también en una brillante herramienta de marketing. Con sólo 5 años de carrera, cautivaron con su colecciónRussian Doll para la temporada Otoño/Invierno 1999. En lugar de un desfile tradicional, vistieron a la modelo Maggie Rizer, que estaba parada en una plataforma giratoria, con una suma de prendas. La primera fue un minivestido humilde y deshilachado de arpillera, y el último, un abrigo de pelo, lleno de flores. Mostró literalmente las manos del diseñador en la proceso de fabricación. También fue una audaz crítica sobre el ritmo de la moda y el consumo. Un desfile inusual que ya ha pasado a ser parte de la historia de la moda. 

Su 'locura' tuvo también una parte práctica y en el 2000 produjeron una línea de prêt-à-porter. En 2003 lanzan una propuesta para hombre y una línea de gafas.

Es en  2008 pegan un enorme salto empresarial tras ser fichados por el grupo OTB que lleva cuentas como Maison Margiela, Marni o Diesel y para celebrar su 10º aniversario organizaron una exposición en el Museo de la Moda y el tejido de París. na colección que cortaron los vestidos con motosierra, literalmente. “Con la crisis crediticia y todo el mundo reduciendo, decidimos cortar vestidos de tul”,

Este cambio propicia que en 2013 regresen por todo lo alto a la alta costura y dos años después abran su primera tienda en París. 

Desde entonces, el dúo holandés ha sabido sacudir como pocos los cimientos del mundo de la moda, ha desdibujado la frontera que separa lo fashion de lo arty y ha perpetrado varias colecciones y desfiles, performances realmente inolvidables

Su capacidad de innovación, su frescura a la hora de transgredir los códigos de la industria y su trabajo, entre la moda y la filosofía, le han convertido en una referencia indiscutible para entender la estética de comienzos del siglo XXI.

Llevan 25 años en el mundo de la moda, son unos artistas en mayúsculas  y ya forman parte de la historia de la alta costura por su enfoque experimental e ingenioso de cada uno de sus diseños. Viktor & Rolf se han ganado el reconocimiento internacional por su obra, a medio camino entre el arte y la moda. Sus llamativos desfiles, exuberantes, impactantes y a veces conceptualmente alejados de los cánones establecidos en el mundo de la moda, les ha llevado a tener un lugar de honor en la Alta Costura.

        

Para celebrar su 25 aniversario, el Museo Kunsthal de Rotterdam ha organizado una extensa retrospectiva que recorre la carrera de estos dos holandeses, Viktor Horsting y Rolf Snoeren, que un buen día se unieron para crear auténticas obras de arte sobre la pasarela. La muestra pretende mostrar al mundo, y en particular a los amantes de la moda y el arte, su concepción “wearable art”, su identidad contradictoria, su visión poco convencional de la moda.
La exposición, abierta desde el pasado 27 de mayo, ha estado en la ciudad holandesa hasta el 30 de setiembre. Una oportunidad única de descubrir el arte de Viktor & Rolf a través de 45 piezas de alta costura.Muchas de las piezas que se exhiben cuentan esta historia porque en la exposición se conviven ahora prendas de sus primeras colecciones, préstamos de museos de distintas ciudades, los vestidos que hicieron para Madonna para el concierto benéfico Art Basel y vestuarios que han hecho para óperas y ballets. El apabullante éxito que ha obtenido la exposición de Viktor & Rolf en el Kunsthal de Róterdam demuestra el apetito que sigue despertando la moda. Especialmente si tras la muestra hay un comisario potente, como es el caso deThierry-Maxime Loriot

    

Además, se podrá contemplar uno de sus últimos proyectos, “Dolls”. Se trata de réplicas de muñecas antiguas vestidas con algunos de los diseños más emblemáticos de los artistas. 25 ejemplares hechos a mano que han seguido los mismos `patrones que su original, pero a escala de las muñecas.  Fue en 1999 cuando les llegó el  gran éxito internacional con la colección ‘Russian Doll’ Sobre la pasarela los dos diseñadores iban poniendo una tras otra hasta nueve capas de ropa sobre la “muñeca viva” encarnada por la modelo Maggie Rizer. De hecho, unas de las piezas mas espectaculares de la exposición en Rotterdam son las 25 muñecas de porcelana hechas a mano. Sobre ellas se pueden ver algunos de los modelos más icónicos de los diseñadores, todo en perfecta escala, desde los materiales y los cortes hasta los peinados y el maquillaje.


Con esta colección, el dúo holandés apoya de un modo creativo y distinto al medio ambiente. Crean un equipo de muñecas gigantes con aires surrealistas. “Pensamos que la realidad es tan extraña en este momento, que por qué no mostrar el lado surreal de la realidad”, añadiendo que “las muñecas luchan por un mundo mejor”, comentaron los diseñadores.
 https://youtu.be/g5tmJoCowwE


                   

Así mismo, se ha editado el libro ”Viktor & Rolf: Fashion Artist 25 years”, conmemorativo de sus 25 años, que incluye una entrevista exclusiva con los diseñadores, un fascinante glosario de Viktor & Rolf y una rica iconografía con imágenes destacadas de artistas y fotógrafos de renombre.
Esta exposición ya se ha mostrado en Melburne pero ahora puede verse con otra mirada ya que el Kunsthal de Rotterdam cumple también 25 años.Ambos diseñadores se sienten orgullosos de que la exposición haya llegado a su país natal después de pasearse por Melbourne. “Además de ver nuestro trabajo en la pasarela, disfrutamos también al poder verlo en los museos, de manera que todo el mundo pueda tener acceso y no solo el puñado de gente presente en París” aseguran los diseñadores.

Sus presentaciones nos han traído de todo, desde cencerros tintineando en la oscuridad hasta ropa que se pliega a modo de marco pictórico. 
Sin embargo, todo el mundo esperaba que en su desfile de alta costura en París celebrara sus 25 años con un gran espectáculo, el resultado fue sorprendentemente discreto.No había muñecas sobredimensionadas sobre el escenario, ni nada como aquella “gran peladura” en la que la modelo se iba quitando capas de tejido como si fueran las capas de una cebolla. En su lugar, cada conjunto se declinaba en blanco, sin nostalgia evidente por el pasado y sí mucha innovación en la ropa.
 

Por ello, Viktor argumenta “De algún modo las cosas han coincidido por casualidad, la exposición, el libro (Viktor & Rolf de Irma Boom)… Así que decidimos rehacerlo todo en blanco y cristales. El blanco representa un poco mirar hacia el futuro, como una pizarra limpia”.
Seguramente la idea no era solo mostrarpiezas impactantes, sino en demostrar además que lo que hacen Viktor & Rolf no tiene por qué ser siempre raro.

¿COMO INFLUYE LA MODA AL ARTE?

                

                   

                                                       La exposición Azzedine Alaïa

Pamela Golbin, curadora jefe del Musée de la Mode et du Textile del Palais du Louvre, en París, afirmó en el libro  Art/Fashion in the 21 st Century que “comúnmente se habla de lo que la moda ve en el arte, pero lo que es realmente interesante es lo que el arte ve en la moda.

El arte busca un margen y la moda se lo proporciona, ya que es muy transitorio y basado en mucho dinero. Tal vez la moda no necesita el arte porque está en constante movimiento, pero tal vez el arte no está preparado para abandonar la moda tan fácilmente.” Y es que sabemos que el arte ha tenido una gran influencia en la moda a lo largo de los años. Yves Saint Laurent es el claro ejemplo de ello. Su colección Mondrian no fue tan sólo una oda al artista, sino una muestra viva del diálogo existente desde tiempos inmemoriales entre la moda y el arte. Además, son muchos los diseñadores que se refugian en el arte como un medio de inspiración e influencia.

Pamela Golbin: Tal vez la moda no necesita el arte porque está en constante movimiento, pero tal vez el arte no está preparado para abandonar la moda tan fácilmente.

Sin embargo, la gran pregunta es: ¿qué le aporta la moda al arte? La moda tiene una capacidad inigualable de atraer y conectar a millones de personas. La moda funcional le habla a un lenguaje universal del cuerpo mientras que en la moda conceptual encontramos diseñadores como Rei Kawakubo, Viktor and Rolf, Martin Margiela y Alexander McQueen, y resulta estéticamente llamativa. 

Es así como las exposiciones de moda alrededor del mundo se han convertido en record-breaking, y la manera en la que el arte ha conseguido conectar con las nuevas generaciones.

                                                 Parte de la exposición Savage Beauty

En 2011,la exposición Savage Beauty, una retrospectiva del trabajo de Alexander McQueen presentada en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (MET) .

Según Vogue, Savage Beauty rompió todos los récords, llegando así a ser la muestra más visitada del MET y al Victoria & Albert Museum de Londres.

A a finales del pasado mes de noviembre,el Museo Nacional de Artes Decorativas de Madrid  organizada por Vogue en homenaje al que ya es uno de los zapateros más reputados de todos los tiempos:  Manolo Blahnik. El arte del Zapato.

La exposición  es una impresionante retrospectiva que contó con una selección de más de 200 zapatos y 80 de los dibujos del célebre creador y perseguía el objetivo de mostrar al público que el cosmos del zapato va mucho más allá de la moda y su función, explorando grandes temas como el arte, el cine o la arquitectura.

Se cerraba así, en palabras de la fundadora y directora Estel Vilaseca, “un año muy fructífero para la moda en los museos, tanto a nivel nacional como a nivel internacional”. Y es que la moda pudo palparse también bajo la superficie de las exposiciones que se oficiaron en Barcelona sobre Björk y David Bowie, ambos músicos con un gran bagaje de colaboraciones con la moda a lo largo de su historia. O en Madrid, en una exposición dedicada al maestro Manuel Pertegaz que daba el pistoletazo de salida al otoño en la Sala Canal Isabel II mientras que, en Barcelona, se programaba otra exposición en honor al mismo diseñador en la Fundación Rocamora. A su tiempo, el IAACC Pablo Serrano de Zaragoza abría las puertas a la muestra organizada junto al Museo Balenciaga de Guetaria Un sueño de Balenciaga, el cine; descubriendo así una de las facetas más desconocidas del gran couturier, que colaboró con directores de cine del calibre de Hitchcock o Cocteau y participó hasta en treinta películas.

Andrew Bolton: A veces hay una especie de celos alrededor de la moda, que tiene el poder de comunicarse con la gente de una manera que la pintura y la escultura no pueden.

Por otro lado, la Met Gala,evento benéfico y de apertura de la exhibición anual del Costume Institute del MET se ha convertido en uno de los eventos más esperados del año, acercando de nuevo así a las sociedades con el arte. Entre sus muchos logros destacan su más reciente exposición, Heavenly Bodies: Fashion and The Catholic Imagination (2018), Rei Kawakubo/Commes Des Garçons: Art of the In-Between(2017) o China: Through the Looking Glass (2015), sobre la que se acabaría realizando el documental First Monday in May. 

En éste, el responsable del Costume Institute del MET Andrew Bolton reflexionaría sobre el recelo del mundo del arte hacia la moda: “A veces hay una especie de celos alrededor de la moda, que tiene el poder de comunicarse con la gente de una manera que la pintura y la escultura no pueden”. Pero resulta especialmente relevante el hecho de que, gran parte de las exposiciones, están siendo impulsadas desde las propias marcas. Y como muestra, un botón: la retrospectiva de Dior alojada en el Museo de las Artes Decorativas de París. O Items: Is Fashion Modern?, que constituye la que es ya la segunda exposición dedicada a la moda del célebre MOMA y aborda la influencia de la moda en ámbitos tan diversos como la cultura, el arte, la estética, la política o la tecnología.

La influencia de la moda en el arte también se refleja en la manera en la que las marcas están impulsando un diálogo entre estas dos prácticas. Cada vez son más las casas de moda que crean museos para presentar al mundo sus delicados y prestigiosos archivos.

La firma parisina Chloé inauguró un espacio con el ambicioso objetivo de perpetuar su legado que se inauguró con una exposición del extraordinario fotógrafo de moda Guy Bourdin. Pero no se trata de ningún hecho aislado, ya que en palabras de Vilaseca “las grandes casas están reforzando su vinculación con el arte y la cultura”.

Por otro lado, los casos de Ferragamo, Trussardi y Loewe han optado por crear fundaciones sin ánimo de lucro para impulsar el arte contemporáneo y la cultura, otras como Louis Vuitton cuyo grupo, LVMH, anunció la creación de la Maison LVMH – Arts, Talents, Patrimoine en un museo abandonado propiedad de la ciudad de París o Prada, que reafirman constantemente con sus museos su compromiso con la cultura.

La influencia de la moda en el arte, en definitiva, abre un diálogo acerca del rol de la moda en un contexto artístico, conectando así ambas culturas. Por lo tanto, ¿necesita el arte a la moda al igual que la moda necesita el arte? Nos atrevemos a afirmar que sí.

                                                                            Parte de la exposición China